- Tár sigue la historia de Lydia Tár, una de las mejores directoras del mundo y la primera directora mujer de la Filarmónica de Berlín.
- El personaje principal de la película es ficticio, pero la audiencia puede sentirse confundida al haber múltiples similitudes con la vida real.
- La cita nominada al Oscar 2023 tampoco refleja el verdadero poder que tienen los directores de orquestas.
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Tár sigue a una todopoderosa directora de orquesta ficticia y su caída desde lo más alto de su carrera. Lydia Tár es retratada como una de las mejores directoras del mundo y la primera directora mujer de la Filarmónica de Berlín.
La película tiene como objetivo preguntar si el género importa cuando se trata de poder. ¿Cómo cambia nuestro juicio cuando un abusador es una mujer? ¿Cuál es el lugar de la política de identidad en el arte? ¿Se puede separar el arte del artista?
Para atraer a la audiencia a estas preguntas, el director Todd Field se esfuerza por convencer a la audiencia de que Tár y la industria de la música clásica retratada en la película son reales.
Lo hace difuminando las líneas entre la película y las personas de la vida real en la industria, al mismo tiempo que confía en la falta de comprensión de la mayoría de los miembros de la audiencia sobre el trabajo diario de una orquesta.
La película se desliza entre la realidad, la mitología y la fantasía al representar una orquesta y los poderes de un director.
Confundiendo realidad y ficción
La película comienza con Tár siendo entrevistado por Adam Gopnik, un escritor del New Yorker, que se interpreta a sí mismo. En esta entrevista, un número sustancial de sus detalles biográficos comparten sorprendentes paralelismos con los de la actual directora de orquesta más importante del mundo, Marin Alsop.
Esta confusión de realidad y ficción hizo que los miembros de la audiencia creyeran que Tár era una persona real.
Marin Alsop estaba comprensiblemente descontenta con las similitudes. También señaló que Tár juega con una especie de “mitología de maestros” donde los directores “reales” son genios intocables con habilidades musicales incomparables.
Un estudio realizado por el académico de neurología Seymour Levine y su hijo Robert Levine, violista de la Orquesta Sinfónica de Milwaukee, observó que el comportamiento subyacente de los directores y músicos en las orquestas es:
“El mito del director como padre omnisciente (‘maestro’, ‘maître’) y los músicos como niños (‘jugadores’) que no saben nada y requieren enseñanza y supervisión ininterrumpida”.
Concluyeron que “la disparidad entre el mito y la realidad en las orquestas profesionales es extrema y sirve como la fuente más poderosa de estrés para los músicos y dinámicas institucionales contraproducentes”.
Este mito se desarrolla en Tár, donde los músicos responden con afabilidad a todas sus decisiones musicales, incluso aquellas con las que no están contentos o incómodos.
Nos hacen creer que Lydia Tár es totalmente responsable del producto artístico final. Los músicos simplemente siguen cada uno de sus gestos como un cuerpo unido.
En realidad, mientras que lo que el público ve parece ser una interpretación cuidadosamente coreografiada de intenciones compartidas y objetivos de interpretación, debajo de la superficie se encuentra una red de influencias e interacciones en competencia en las que el director de orquesta solo puede desempeñar un pequeño papel.
Autoridad musical en la interpretación
Analizando más de 1,500 comentarios de músicos orquestales que describen a quién y a qué respondían en ensayos y actuaciones de la vida real, he estudiado el proceso de “autoría” artística en las orquestas.
Lo que encontré es que las opiniones sobre cómo deberían funcionar las cosas difieren drásticamente entre las orquestas y que solo hay un objetivo general compartido en la interpretación: tocar juntos y lograr la cohesión del conjunto.
Para ser claros, lo que constituye la cohesión del conjunto al más alto nivel es complejo y matizado. Para tocar juntos con precisión en el tiempo, los músicos deben tener un sentido desarrollado de cada aspecto del sonido, color, volumen y fraseo de su parte. Deben tocar con sus compañeros, no compra ellos.
Para hacer esto, deben tomar decisiones en una fracción de segundo sobre lo que es mejor para cada nota, aprovechando su amplia experiencia musical mientras navegan por las decisiones de los músicos que los rodean.
También suelen enfrentarse a situaciones acústicas, ya que solo pueden escuchar parte de lo que hace la orquesta desde su asiento. La utilidad del director en esto es sumamente variable y parcial.
Un trompetista profesional me explicó que los músicos tienen una habilidad visual al mirarse unos a otros. Por ejemplo, la parte del bombardino en Mars de Holst de The Planets, las cuerdas tocarán los arcos.
El trompetista notó que algunos directores tratarán de empujar la pieza allí. Si tuvieran que seguir al director allí, llegarían temprano. Fue más útil ver un banco de cuerdas haciendo arcos hacia abajo, lo que les permitió saber exactamente dónde colocar una nota.
Mientras que en un ensayo un director puede detener la ejecución y pedir un cambio, en una actuación no pueden hacerlo. Esto cambia la dinámica del poder de una manera que algunos pueden sentirse incómodos de admitir.
Abuso sistémico
Las investigaciones han demostrado que los músicos de orquestas autónomas, como la Filarmónica de Berlín, generalmente tienen una mayor satisfacción laboral que sus colegas de otras orquestas y “que los músicos de estas orquestas son los verdaderos maestros de sus conjuntos”.
Sin embargo, la industria internacional de la música clásica está plagada de abusos y desequilibrios de poder sistémicos.
No son solo los casos de #MeToo de alto perfil en los escalones superiores de la profesión, como los de los directores reales James Levine y Charles DuToit (ambos nombrados en la película), en los que se modelan los sádicos viajes de poder de Tár.
El cuerpo de evidencia de abuso dentro de las instituciones musicales, desde escuelas hasta orquestas profesionales en el Reino Unido, continúa creciendo.
Una encuesta reciente de la Sociedad Independiente de Músicos informó que 77 % de los encuestados (88% de los trabajadores por cuenta propia) no denunciaron delitos.
Las principales razones fueron: “es solo la cultura” en el sector de la música (55%), seguida de “nadie a quien informar” (48%) y “miedo a perder el trabajo” (45%).
Mientras que 72% de los incidentes fueron cometidos por personas con antigüedad o influencia en su carrera, 45% fueron cometidos por colegas o compañeros de trabajo y 27% por un tercero (como un miembro de la audiencia o un cliente).
El informe señaló que 58% de las experiencias discriminatorias reportadas por los encuestados se clasificarían como acoso sexual.
Al entrelazar tan magistralmente la realidad y la fantasía, Field afirma el dañino “mito del maestro». También resta valor a las redes reales, complejas y profundamente arraigadas de abuso de poder dentro de la industria musical actual.
Este artículo se publicó originalmente en inglés.
*The Conversation es una fuente independiente y sin fines de lucro de noticias, análisis y comentarios de expertos académicos.
*Kevin Sandler es profesor asociado de Estudios de Cine y Medios en la Universidad Estatal de Arizona.
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